Convivialité en Flandre

Mercredi 9 février 2022

Anne Mohr-Leupert — 2021-09-07T16:34:00Z

Sommaire

Un même lieu et trois visites

A la rencontre de Planètes brutes : le très récent accrochage de la collection permanente qui accueille de tout nouveaux artistes
L'exposition qui propose des découvertes inattendues : Les secrets de Modigliani
La grande rétrospective Paul Klee entre-mondes et ses dialogues originaux à travers le temps, "une plongée inédite au cœur de la quête de renouvellement de l'une des figures majeures de l'art moderne".

Entre 2016 et 2017, le LaM a reçu en don près de 300 œuvres de 47 artistes d'art brut grâce à Michel Nedjar et Marcus Eager, globe-trotteurs et donateurs.
Avec ce nouvel accrochage, le LaM se veut plus proche de la personnalité des deux défricheurs passionnés, partisans d'une définition ouverte et inclusive de l'art brut.
une sélection d'œuvres issues de la donation sera mise en relation avec d'autres œuvres appartenant à la collection du musée autour des thèmes aussi variés que le dialogue avec l'invisible, les souvenirs d'enfance, la représentation du corps et de l'espace urbain.
Et ce sont 20 nouvelles et nouveaux artistes qui entrent dans la collection, dont certains (ukrainien, haïtien, iranien, etc.) peu connus du grand public, permettant ainsi d'ouvrir la collection à des régions du monde jusqu'alors peu représentées.

Un accrochage au croisement de la science et de l'histoire de l'art pour découvrir l'œuvre de Modigliani sous un nouveau jour

Fort de son lien étroit avec Amedeo Modigliani et de la célébration du centenaire de la mort du célèbre peintre italien en 2020, le LaM propose, à partir de février 2021, plusieurs rendez-vous qui dressent le bilan des études scientifiques menées à son initiative et en copilotage avec le C2RMF (Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France) sur un ensemble d'œuvres de l'artiste, issues des collections publiques françaises.
Initialement programmé en octobre 2020 et déplacé en raison de la crise sanitaire, un nouvel accrochage au sein du parcours permanent du musée dévoile notamment les résultats des dernières recherches menées sur les œuvres de Modigliani.
Organisé en trois parties, cet accrochage - dans lequel les 6 peintures et la sculpture de Modigliani conservées au LaM sont exposées - offre une approche intime du travail de l'artiste en mettant le public au plus près de ses œuvres.

Une plongée inédite au cœur de la quête de renouvellement de l'une des figures majeures de l'art moderne

Le LaM accueille une exposition consacrée à l'œuvre de Paul Klee (1879-1940). Représenté dans son fonds permanent par trois œuvres issues de la collection de Roger Dutilleul et Jean Masurel. Klee est l'un des rares artistes incontournables de la collection moderne à ne pas avoir encore fait l'objet d'une collection monographique. À cette occasion, le musée souhaite poser un regard inédit sur son œuvre en mettant en lumière son intérêt pour la question des "origines de l'art".
À travers un parcours rythmé en quatre grands chapitres, l'exposition revient sur la façon dont les dessins d'enfant, l'art préhistorique, l'art extra-occidental et ce qu'on appelle encore à son époque "l'art des fous", lui ont permis de repenser son art et la création artistique de manière générale.

Sources croisées
L'exposition met en exergue les quatre voies choisies par Klee pour explorer ces « profondeurs » : l'art des asiles, le dessin d'enfant, l'art extra-occidental et l'art préhistorique.
Sans chercher à rattacher précisément chaque œuvre à une source formelle, elle ouvre un large spectre d'associations au public, le laissant libre d'élaborer des rapprochements d'une salle à l'autre et de tisser ses propres interprétations. Plusieurs périodes y seront abordées par le prisme de la quête des origines : le contexte du Cavalier bleu à Munich, celui de Dada à Zurich et du surréalisme à Paris, les années d'enseignement au Bauhaus et enfin la réception de Klee aux États-Unis dans les années 1930.

Textes issus de la présentation officielle du programme des expositions par le Musée d'art moderne de Villeneuve d'Ascq

Jeudi 13 janvier 2022

Anne Mohr-Leupert — 2021-09-07T16:33:00Z

L'exposition La musique du geste. Hommage à Mahjoub Ben Bella, et une promenade guidée au centre ville de Lille

TOURCOING, MUba Eugène Leroy - Découverte de l'exposition La musique du geste. Hommage à Mahjoub Ben Bella
LILLE - Promenade guidée autour du centre ville et de Notre-Dame de la Treille

Le MUba Eugène Leroy rend hommage à l'artiste franco-algérien Mahjoub Ben Bella (1946-2020), figure artistique tourquennoise majeure.
L'exposition explore la place du geste et du mouvement dans l'œuvre de l'artiste, et les liens étroits qu'il entretenait avec la musique et la danse, les musiciens et les chorégraphes.
Des séries de peintures comme Mouvement, Tension, Vibration, Chorégraphie, Jazz, témoignent de cette source d'inspiration toujours renouvelée et résolument vivante, qui a nourri de fécondes collaborations artistiques.
L'exposition présente dans une seconde partie une réflexion élargie sur les liens entre les arts visuels et les arts vivants en présentant une sélection d'œuvres d'autres artistes, issues de la collection du MUba Eugène Leroy ou de prêts exceptionnels.

Texte issu de la présentation officielle du programme des expositions par le MUba Eugène Leroy

Vendredi 10 décembre 2021

Anne Mohr-Leupert — 2021-09-07T16:32:00Z

L'exposition Alexej von Jawlensky : la promesse du visage,
et une visite thématique autour de la réhabilitation du musée

Sommaire

Deux visites guidées

La grande exposition Alexej von Jawlensky : la promesse du visage
Une visite thématique autour de la réhabilitation du musée : collections, architecture

Peintre russe né en 1864, compagnon de route de Kandinsky durant la première décennie du XXe siècle à Munich, Alexej von Jawlensky offre l'exemple d'un artiste qui participe à la modernité en faisant l'expérience des frontières entre expressionisme et fauvisme, entre figuration et abstraction.

L'essentiel de la carrière artistique d'Alexej von Jawlensky se déroule en Allemagne. À son arrivée à Munich (1896) Jawlensky assimile avec une rapidité étonnante toutes les leçons de l'avant-garde (la peinture impressionniste, Van Gogh, Cézanne). Rapidement, toutefois, il arrive à une synthèse personnelle entre fauvisme et expressionnisme, qui révèle son talent exceptionnel de coloriste. Par la suite, il expose avec le Blaue Reiter.

En 1914, la guerre contraint Jawlensky à se réfugier en Suisse. Il commence alors à faire appel à une technique qu'il appliquera désormais exclusivement : la série.
À partir de 1917, pendant vingt ans, Jawlensky traitera presque exclusivement le visage. Le visage ou plutôt la Face, car avec les Têtes mystiques et Faces du Sauveur 1917/1923, Têtes géométriques 1924/1933 et les Méditations, 1933/1937, la figure s'éloigne progressivement de toute ressemblance “naturelle” pour aboutir à une forme stylisée, proche de l'icône.

Pour évoquer les vingt ans de l'institution, l'équipe de La Piscine a souhaité interroger la mémoire et solliciter l'imagination de Jean-Etienne et Jacqueline Grislain, fidèles complices du musée et créateurs de l'image d'ouverture de 2001. Le principe de cette « commande » est de mettre en scène la rétrospective de ces deux décennies d'activité en l'illustrant avec un choix d'acquisitions, d'événements et de rencontres. Grâce à ce dispositif réparti dans plusieurs espaces du musée, nous allons partager nos souvenirs et les inscrire dans un « esprit piscine » qui vaut aussi engagement pour la suite de l'aventure !

Un parcours guidé pour expliquer et illustrer comment l'ancienne piscine municipale a progressivement développé sa mutation jusqu'au musée rénové actuel.

Textes issus de la présentation officielle du programme des expositions par le Musée André Diligent – La Piscine

Mercredi 16 mars 2022

Anne Mohr-Leupert — 2021-03-16T11:54:00Z

16h - La Halle aux Sucres

Sommaire

La définition du beau passe par une représentation du corps humain fondée sur l'harmonie, les proportions, l'équilibre.
Une telle représentation relève d'une idéalisation qui s'impose finalement comme une norme. On définit ainsi l'art classique.

Mais qu'en est-il de ce qui ne correspond pas à la norme classique ?
Laocoon, injustement condamné par les dieux, se tordant de douleur avec ses deux fils étouffés par des serpents en une lente agonie, est-il encore beau ?
La beauté d'Apollon est évidente, celle tragique de l'homme souffrant révèle une autre beauté confrontée à la mort.

Edith Marcq

Université de Lille, laboratoire IRHIS (Institut de Recherches Historiques du Septentrion).
Conférencier fidèle pour notre association, Jean-Paul Deremble est philosophe et théologien, spécialisé dans l'iconographie médiévale et auteur de nombreux ouvrages et articles, en particulier sur la cathédrale de Chartres. Il est président du Conseil scientifique du Centre International du Vitrail et œuvre pour faire connaître l'art sacré contemporain.
Il anime régulièrement des cercles de réflexion sur l'art à Paris et à Lille.

Mercredi 27 avril 2022

Anne Mohr-Leupert — 2021-03-16T11:54:00Z

16h - La Halle aux Sucres

Sommaire

Depuis les origines, le corps n'a cessé d'être exposé sans gène.
Des déesses aux beautés harmonieuses, le corps s'est transformé pour devenir plus expressif parfois jusqu'à la souffrance d'une chair meurtrie.
Les cubistes l'ont mis en morceau et il est devenu boue avec l'art brut.

L'artiste s'interroge alors sur la définition de la beauté.
Est-elle seulement le respect des proportions, la soumission aux codes hérités de la Grèce antique ?
Nu ou vêtu, le corps ne peut-il pas être laid, sale, déformé ou même devenir support de l'œuvre ou utilisé tel un pinceau vivant ?

Marie Castelain

Marie Castelain est architecte DPLG et historienne d'Art. Nous la connaissons en tant que conférencière aux Amis des musées des Hauts de France et elle intervient aussi auprès de diverses associations.
Elle enseigne également auprès d'étudiants à l'EDHEC, l'HEI, l'Université du Littoral de Dunkerque, les Universités du temps libre de Lille, Roubaix, Tourcoing, Villeneuve d'Ascq, etc.

Mardi 19 et Jeudi 21 octobre 2021

Anne Mohr-Leupert, Convivialité en Flandre — 2020-10-26T11:15:00Z

Visite guidée de la rétrospective

Rendez-vous devant le musée
Les horaires des départs de visite :
Mardi 19 octobre à 14h15 et 16h
Jeudi 21 octobre à 14h15

En 2011, le portrait au fusain du poète berguois Emmanuel Looten (1908 – 1974) par René De Graeve entrait dans les collections du musée. Il convenait de remettre en lumière ce peintre, à l'œuvre dense et déroutante. Cette exposition rétrospective, exceptionnelle par son ampleur, nous convie à la redécouverte d'un artiste attachant, qui fut l'un des acteurs majeurs de la scène artistique régionale entre 1930 et sa disparition prématurée en 1957.

Texte issu de la présentation officielle de l'exposition par le Musée du Mont-de-Piété.

Jeudi 3 mars 2022

2BBenj, Anne Mohr-Leupert — 2020-10-22T07:47:00Z

Sur inscription préalable auprès du secrétariat de l'association
De 15 h à 18 h avec pause et échanges
Visite en images et conférence

Sommaire

Cette rencontre innove dans son format et son contenu pour découvrir de manière plus approfondie la Fondation Gulbenkian de Lisbonne.

Calouste Gulbenkian
L'homme, la fondation, le musée

Dans l'esprit du visiteur de Lisbonne, le nom de Gulbenkian est celui d'un agréable musée niché dans un parc et qui abrite une collection somptueuse de tableaux, sculptures et objets décoratifs.
On en oublierait presque que Calouste Gulbenkian (1869-1955) a été un personnage extraordinaire, à la fois magnat du pétrole, diplomate et philanthrope, au carrefour des cultures orientales (il était arménien) et occidentales (il a demeuré à Londres, Paris et Lisbonne).
La séance, en deux temps, proposera d'abord un aperçu de cette vie si féconde, et dont les réalisations se font encore sentir de nos jours, ainsi que les étapes qui ont mené à la création de la Fondation Gulbenkian, à laquelle se rattache le musée. Une deuxième séquence permettra de découvrir les œuvres du musée et l'esprit qui a prévalu à leur acquisition.
Une pause centrale permettra les échanges.

Dépliant Fondation Gulbenkian

A télécharger pour détails et inscription

Jean-Paul Deremble

Gregory Vroman est guide-conférencier, notamment auprès des associations d'Amis des musées du Nord et du Pas-de-Calais.
Il enseigne l'histoire de l'art à l'Université catholique de Lille depuis 2009.
Il préside, depuis 2016, l'Institut d'Art & d'Histoire après avoir été en charge de ses activités culturelles pendant trois ans.
Nous avons le plaisir de l'entendre à plusieurs reprises au cours de cette saison.

En attente

Christine Bodhuin — 2020-10-22T07:47:00Z

L'art, miroir de la société ou miroir d'une vision supérieure ?
La création artistique chez Rembrandt entre liberté souveraine et dépendances sociales, religieuses et politiques.

Quand Rembrandt accepte de faire le portrait d'une personnalité ou quand il répond à une commande officielle, il ne cède rien à sa liberté d'artiste au point de devenir un artiste célèbre sans commande. Il demeure que Rembrandt est le miroir d'un monde traversé par les contradictions, il s'observe lui-même dans ses autoportraits comme fidèle à son être profond et pourtant soumis à des mutations tragiques. Ainsi en va-t-il du paradoxe de l'artiste d'être dans une tension permanente entre ce qui l'attache au réel contraignant et sa vocation de visionnaire transcendant.

Edith Marcq

Mercredi 26 janvier 2022

Anne Mohr-Leupert, Convivialité en Flandre — 2020-10-22T06:20:00Z

16h - Auditorium de la Halle aux Sucres

Sommaire

Durant deux décennies (1909-1929), les Ballets russes ont constitué, sous la houlette de Serge Diaghilev, une aventure artistique aussi unique qu'improbable, réussissant le tour de force d'associer de multiples artistes, parmi lesquels Cocteau, Satie, Chanel, Picasso, Stravinsky, Braque, Laurencin, Prokofiev, Debussy, Milhaud, Miro, Rouault, Nijinsky, Fokine, Lifar ou Balanchine, pour ne citer qu'eux.
Même si la danse y connaîtra un tournant majeur de son histoire puisque s'y crée la danse moderne, les Ballets russes auront une influence décisive bien au-delà de la seule chorégraphie.
Aussi bien dans la musique que dans la peinture ou les arts appliqués, dans la mode comme dans la décoration, le XXe aurait eu un visage différent sans cette épopée extraordinaire et foisonnante.

A l'occasion du 150ème anniversaire de Serge Diaghilev

Jean-Paul Deremble

Nous avons le plaisir de l'entendre à plusieurs reprises au cours de cette saison.

Jeudi 2 décembre 2021

Anne Mohr-Leupert, Convivialité en Flandre — 2020-10-22T06:10:00Z

16h - Auditorium de La Halle aux Sucres

Le reflet de Frida Kahlo

Si Frida Kahlo est aujourd'hui l'une des artistes les plus connues et les plus populaires de l'art mexicain du XXe siècle, c'est bien sûr grâce à sa personnalité et à l'originalité d'une œuvre qui échappe à toute tentative de classification. L'œuvre est ici avant tout l'expression du récit de vie. Vie tragique et tumultueuse, échappant à son tour à toute convention.

Sa vie et son œuvre sont indissociables de celles de son compagnon Diego Rivera. Ils sont entrés ensemble dans la légende et figurent tous deux au panthéon des artistes mexicains du XXe siècle. Entre « l'éléphant » et « la colombe », auxquels les parents de Frida les comparaient, c'est le même désir brutal de peindre et d'incarner l'âme profonde du Mexique. Toujours dans l'ombre de son époux, supportant ses infidélités, la jalousie, Frida exorcise sa douleur sur la toile et gagne peu à peu l'intérêt du public.

Ce qui lui est propre, c'est sa dimension intime à travers une œuvre autobiographique où le corps et le visage sont montrés : une traversée de sa vie dont les peintures n'ont cessé d'être le reflet.

La majorité de sa production – très restreinte, puisqu'on ne lui connaît que 150 toiles environ – se compose d'autoportraits. Cette puissance évocatrice a fasciné André Breton, qui a échoué à rallier Frida Kahlo à la cause surréaliste : « Je ne peins pas des rêves, je peins ma réalité », lui a-t-elle rétorqué. Elle n'est pas non plus primitive, encore moins naïve, étant donné les nombreuses références, notamment occidentales, qui parcourent son œuvre. Elle reste inclassable !

Marie Castelain