Convivialité en Flandre

Mercredi 4 avril 2018

Convivialité en Flandre, Sabine Wetterwald — 2018-03-31T15:47:00Z

Dépliant de la conférence de S. Antona

Du 04/04/18

L'Association Convivialité en Flandre a choisi pour théme cette saison Pourtant ça bouge ! Quand l'art fait jaillir la vie et a invité Stéphanie Antona à participer à son programme de conférences puisque l'art vidéo est au cœur du mouvement dans l'art.

Gregory Vroman

Stéphanie Antona est historienne d'art et titulaire d'un master en histoire de l'art contemporain.
Elle s'est intéressée à Gilbert Delaine, sa passion de collectionneur à l'origine de la création du LAAC, mais aussi la dimension de sa collection d'art sacré.
Elle est actuellement doctorante à l'École Pratique des Hautes Études de Paris et prépare une thèse sur Les représentations religieuses dans l'art vidéo français et italien depuis 2000.

Bill Viola, Émergence, vidéo couleur, 2002 & Masolino, Pietà, 1424, fresque

À gauche : Bill Viola, Émergence, 2002, capture d'écran, vidéo couleur
À droite : Masolino da Panicale, Pietà, 1424, fresque, Museo della Collegiate di Sant'Andrea, Empoli

Pour parler de la question du mouvement dans les arts, il est aujourd'hui difficile d'occulter l'art vidéo dont le principe repose sur l'image en mouvement.

Né dans les années soixante, l'art vidéo reste encore appréhendé avec un mélange de curiosité et de méfiance car les réponses peuvent être multiples et vagues à la simple question :
Qu'est-ce que l'art vidéo ?

Pourtant, il est possible d'en dessiner les grands principes et de comprendre comment ce médium est parvenu, au fil des décennies, à acquérir une légitimité dans le cercle des institutions artistiques.
Son évolution est incontestablement liée au développement des nouvelles technologies qui ont permis aux artistes de réaliser de nouvelles expériences où les questions liées au mouvement, au corps et au temps se sont croisées pour constituer les piliers fondamentaux de l'art vidéo.

Bill Viola, Émergence, vidéo couleur, 2002 & Masolino, Pietà, 1424, fresque

À gauche : Bill Viola, The Greeting, 1995, capture d'écran, vidéo couleur, 10 min 22
À droite : Jacopo Carucci dit Il Pontormo, La Visitation, vers 1528, huile sur bois, 207 x 159 cm, Carmignano, Presbytère de San Michele Arcangelo

Corps en mouvement, manipulation du temps et de l'image, ces procédés nous interpellent sur les intentions du vidéaste.
Ce dernier désire-t-il plonger le spectateur dans une illusion ou au contraire lui révéler une réalité imperceptible ?

Face aux peintres, sculpteurs ou photographes qui parviennent à symboliser les mouvements du corps et de l'âme dans leurs œuvres, les vidéastes créent-ils une rupture ou une continuité ?

Marina Abramović en conférence-performance

Comprendre ce qu'est une performance sur le site Ted.com par Marina Abramović - la « grand-mère de l'Art performance » comme elle se qualifie elle-même - avec une conférence de 16 min :
Marina Abramović, un art fait de confiance, de vulnérabilité et de connexions.

Nous serons heureux de vous retrouver nombreux pour cette dernière conférence de la saison.

Pour approfondir le thème :
✰ Depuis quarante ans, Bill Viola, pionnier de l'art vidéo, filme le temps, la force des éléments, l'invisible, pour en faire de puissants tableaux vivants. Lisez l'article "Bill Viola, ou l'éloge du ralenti" sur le site de Télérama à propos de la rétrospective qui lui rendait hommage au Grand Palais, à Paris en 2014
✰ Un article du blog Le Curieux des arts, "Bill Viola, homme de la Renaissance ? Immersion à Florence", à propos de l'exposition Bill Viola. Il Rinascimento elettronico au Palais Strozzi en 2017
✰ Sur l'article de Usbek & Rica, Une brève histoire de l'art vidéo, vous trouverez une de mes vidéos préférées de Bill Viola (6 min), Reflecting Pool, mais aussi une belle présentation de la Fête des lumières à Lyon ; vous pouvez aussi regarder une petite histoire de l'art vidéo (1 min 30) pour un survol depuis ses débuts en 1963 par l'équipe du Grand Palais
✰ Marina Abramović est une artiste serbe qui étudie et repousse les frontières du potentiel physique et mental à travers ses performances. Faisant partie du courant artistique de l'art corporel, elle s'est lacérée et flagellée, a congelé son corps sur des blocs de glace, pris des produits psycho-actifs... Pendant sa performance The Artist is Present au MoMA de New York en mai 2010, Marina Abramović est restée trois mois, huit heures par jour, impassible, assise sur une chaise tandis que les visiteurs pouvaient s'asseoir devant elle alternativement. Le montage vidéo de 3 min 37 de cette performance est émouvant, en particulier le moment de ses retrouvailles avec son ex-compagnon et artiste Ulay.

Jeudi 22 mars 2018

Convivialité en Flandre, Sabine Wetterwald — 2018-03-18T12:06:00Z

Dépliant de la conférence de P. Bazin

Du 22/03/18

L'Association Convivialité en Flandre a choisi pour théme cette saison Pourtant ça bouge ! Quand l'art fait jaillir la vie et a invité Philippe Bazin à contribuer à son programme de conférences sur la question du mouvement dans la photographie.

Philippe Bazin

Philippe Bazin est photographe, artiste et professeur de photographie à l'École Nationale Supérieure d'Art de Dijon, HDR en Arts plastiques.
Détenteur du Prix Niépce en 1999, il est aussi lauréat de la villa Médicis Hors-les-Murs en 2001.
Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections publiques, notamment à Paris et Lyon.
Il a publié plusieurs livres dont un ouvrage définitif rassemblant son travail sur les visages, La Radicalisation du monde (2009). Il vient de publier un essai Pour une photographie documentaire critique et prépare un ouvrage sur le monde agricole.

Étienne-Jules MAREY (1830-1904) Saut à la perche, chronophotographie, vers 1890

Positif sur verre, 47 x 87 mm, vendue 4800 € en 2011

Le conférencier abordera la chronophotographie au XIXe siècle – Muybridge et Marey – et gardera comme fil conducteur la figure de l'escalier.

Eadweard Muybridge, Animal Locomotion, détail : an Electro-Photographic Investigation of Connective Phases of Animal Movements, 1887

Il décryptera pour nous le fameux Nu descendant l'escalier de Marcel Duchamp et ses suites photographiques en évoquant Hans Bellmer et Gjon Mili.

Marcel Duchamp, Nu descendant un escalier n°2, 1912

Huile sur toile, 146 x 89 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphie

Les suites de la chronophotographie au XXe siècle seront aussi abordées, notamment à travers une autre sorte de mouvement duchampien : celui des objets manufacturés, du magasin à la galerie, et ses conséquences dans la photographie, ce qui demandera un petit passage par le Bauhaus.

À visioner : une interview-vidéo de Marcel Duchamp enregistrée en 1963, à propos du Nu descendant un escalier (3 min30). C'est un extrait du film Game of Chess.

Merci pour votre nombreuse participation à cette conférence.

Pour approfondir le thème :
✰ Le site de Philippe Bazin à explorer pour y retrouver textes, vues d'expositions, vidéos, et découvrir son univers photographique
✰ L'article du Télégramme sur l'exposition « Figures » de Philippe Bazin qui s'est déroulée à Lorient en 2013. Elle se décline en trois pièces : visages de nouveaux-nés, d'enfants, de personnes âgées
✰ Le formidable dossier pédagogique du Centre Pompidou paru en 2014 : Marcel Duchamp, La peinture, même
✰ L'article à propos d'une autre conférence sur la photo donnée par Sabine Wetterwald en 2008 : Petite histoire de la photo, la lumière capturée.

Mercredi 7 février 2018

Convivialité en Flandre, Sabine Wetterwald — 2018-02-06T15:24:00Z

L'Association Convivialité en Flandre a choisi pour théme cette saison Pourtant ça bouge ! Quand l'art fait jaillir la vie et a invité Marie Castelain à contribuer à son programme de conférences à propos de l'architecture contemporaine.

Marie Castelain

Marie Castelain est architecte DPLG et historienne d'Art.
Nous la connaissons en tant que conférencière aux Amis des musées des Hauts de France et intervient aussi auprès de diverses associations.
Elle enseigne également auprès d'étudiants à l'EDHEC, l'HEI, l'Université du Littoral de Dunkerque, les Universités du temps libre de Lille, Roubaix, Tourcoing, Villeneuve d'Ascq, etc.

Cathédrale métropolitaine, Brasilia, architecte Oscar Niemeyer, 1970

Par définition une architecture est une construction stable capable de traverser le temps.
Pourtant, à l'heure de la révolution industrielle et du développement de la vitesse, l'architecture devient de plus en plus dynamique.
À cette époque, le courant Art Nouveau fleurit dans toute l'Europe et jette les bases d'une architecture en mouvement qui s'inspire des formes de la nature. Les architectes prennent alors en compte les déplacements de l'usager, et la vision de l'espace ne se fait plus uniquement à partir de l'immobilité mais aussi de l'observation en mouvement.

Musée Guggenheim, Bilbao, architecte Frank Gehry, 1997

L'architecture organique poursuit ce courant et engendre des formes souples en référence au monde vivant.
Enfin, aujourd'hui, l'outil informatique permet une architecture étonnante, toujours renouvelée et le mouvement déconstructiviste privilégie de nouvelles formes : murs penchés, fenêtres inclinées, poteaux de biais...

L'architecture d'aujourd'hui semble ne plus avoir de limite !

Pour approfondir le thème :
✰ Sur le site de France Info, visitez douze bâtiments emblématiques du fameux architecte brésilien Oscar Niemeyer qui aimait les courbes. Il a participé à la réalisation de plus de 600 bâtiments en soixante-dix ans de carrière.

✰ Architecte de renommée internationale, Frank Gehry se joue de la pesanteur, déployant des volumes défiant les nuages. Ses créations sont innovantes et offrent une conception futuriste suscitant surprises et émotions. Retrouvez-le sur le site de la Fondation Louis Vuitton pour laquelle il a conçu le bâtiment, dans un court entretien d'1 min 40 et découvrez 29 bâtiments exceptionnels qu'il a imaginés.

Mercredi 6 décembre 2017

Convivialité en Flandre, Sabine Wetterwald — 2017-12-02T13:52:00Z

Dépliant de la conférence de S. Wetterwald

Du 06/12/17

L'Association Convivialité en Flandre a choisi cette année pour thème Pourtant ça bouge ! Quand l'art fait jaillir la vie. Autour de ce sujet sur le mouvement dans l'art, Sabine Wetterwald propose d'explorer le geste à l'époque moderne et particulièrement ceux des doigts de la main. L'occasion de retrouver l'origine parfois oubliée de postures et de gestes que nous continuons d'accomplir parfois de façon quotidienne.

Sabine Wetterwald

Sabine Wetterwald est historienne de l'art.
Elle aime débusquer les détails insolites d'un tableau, trouver la clef d'une petite église de village pour y admirer les fresques du XIe siècle, entrer dans la démarche d'un artiste contemporain, se laisser submerger par l'émotion devant la beauté d'une œuvre...
Mais surtout, elle aime partager sa passion de l'art.

Responsable pendant plusieurs années de la programmation artistique de Convivialité en Flandre, elle est déjà intervenue pour l'association à propos du clair-obscur dans la peinture, de l'histoire de la photographie, du nombre d'or ou des images doubles ou cachées dans la peinture.

Léonard de Vinci, Étude pour la Cène, 1494-1495

Craie rouge sur papier, 260 x 392 mm, Gallerie dell'Accademia, Venise

Léonard de Vinci, Saint Jean-Baptiste, 1508-1513

Huile sur bois, 69 × 57 cm, après la restauration de 2006, Musée du Louvre

Selon Léonard de Vinci, la peinture est « poésie muette » et les « mouvements de l'âme » s'expriment à travers le langage du corps. Empruntés au quotidien ou issus d'une longue tradition iconographique, les gestes des mains, jamais innocents ni choisis au hasard par les artistes, sont porteurs de sens.

Masaccio, La Sainte Trinité, 1425-1428

Détail de Marie, fresque, 667×317 cm, Santa Maria Novella, Florence

Fra Angelico, Saint Pierre martyr, 1440-1443, fresque, Florence, Couvent San Marco

Albrecht Dürer, Étude de trois mains, 1495

Plume et encre marron sur une légère esquisse préliminaire à l'encre sur papier, 27x18 cm, Vienne, Bibliothèque Albertina

Gestes descriptifs tels l'index pointé, posé sur la bouche pour imposer le silence, gestes rituels, de désespoir, de colère ou obscènes, gestes de communication... autant de situations non verbales à décrypter comme substituts des mots et transmission du sens.

Nicolas Poussin, Martyre de Saint Érasme, 1628-1629

Huile sur toile, 320x186 cm, Musée du Vatican

Georges de La Tour, La Diseuse de bonne aventure, Années 1630

Huile sur toile, 102 × 123 cm, Metropolitan Museum of Art, New York

Éclairés par l'histoire religieuse, sociale ou commerciale de leur époque, quelques moments fascinants de la peinture occidentale ou de la sculpture permettent d'appréhender la symbolique particulière des mains, nous invitant à une lecture renouvelée des œuvres.

J'ai pris un immense plaisir à préparer cette conférence et ai été très heureuse de vous voir tellement nombreux le mercredi 6 décembre pour partager notre passion commune de l'art. Le record du nombre d'entrées a même été battu !

En ce temps de fêtes de fin d'années, pas question de jeux de mains/jeux de vilains ni de poil dans la main.
N'y allez pas de main morte pour prendre en main votre existence, ce n'est pas le moment de passer la main : prenez votre courage à deux mains et sachez mettre la main à la pâte sans pour autant mettre la main dans le sac.
Vous avez maintenant toutes les cartes en main. De main de maître, vous préférerez la main de velours à la main de fer. Souriez : vous avez la main verte et êtes dans de bonnes mains.
J'en mets ma main au feu, vous tendrez la main et prêterez main-forte autour de vous, donnerez la main à votre voisin ou un coup de main à une inconnue.
Quand à moi, c'est la main sur le cœur que je remercie tous les participants et participantes à la conférence pour leur écoute bienveillante. J'espère que vous saurez mieux entendre les mains qui vous parlent au cours de vos prochaines visites artistiques.

Merci également à vous internaute pour votre visite sur notre site.

Pour approfondir le thème :
– Bibliographie :
✰ André Chastel, Le Geste dans l'art, Liana Levi, « Opinion art », 2001, 2008. Le chapitre "L'art du geste à la Renaissance" est disponible en ligne (sans les images) sur le site de Persée dans La Revue de l'Art, Année 1987, Volume 75, Numéro 1 pp. 9-16.
✰ Michael Baxandall, L'Œil du Quattrocento. L'usage de la peinture dans l'Italie de la Renaissance, 1972, Collection Bibliothèque des Histoires, Gallimard, 1985
✰ Barbara Pasquinelli, Le Geste et l'expression, Hazan, 2006
✰ Daniel Arasse, Le sujet dans le tableau, Essais d'iconographie analytique, Chapitre 5 : "Michel-Ange et l'index de Moïse", Champs, Flammarion, 1997
✰ Léonard de Vinci, La peinture, présentation d'André Chastel, Hermann, Collection Savoir : Sur l'art, 1964, 2004. Une présentation vidéo en 2 min 40 sur le site de l'INA
✰ Alberti, [De pictura], 1435, De la peinture, Paris, Macula, Dédale, 1992
✰ Georges Didi-Huberman, « Question de détail, question de pan », in Devant l'image, Paris, Éd. de Minuit, 1980
✰ André Leroy-Gourhan, Le Geste et la parole, Leroy-Gourhan, 1964
✰ Nathalie Roelens, Les deux seuils de la gestualité : l'attitude et le mouvement, Universités de Nimègue et de Louvain, 2012
– Et pour offrir à un enfant ou à vous-même :
✰ Gillian Wolfe, Je joue avec l'art ! Expressions, gestes et regards, 2010

– À cliquer :
✰ À l'occasion de la vente de novembre 2017 du Salvator mundi de Léonard de Vinci, l'historien de l'art chrétien François Bœspflug, analyse l'iconographie de ce tableau devenu en quelques années le plus cher du monde.
✰ Promenade dans une formidable exposition qui s'est déroulée au Petit Palais à Paris de février à mai 2015 : Les Bas-fonds du Baroque : La Rome du vice et de la misère. Vous y découvrirez une "Rome à l'envers", le monde des gueux, des bohémiens, des tavernes, des travestis, du carnaval et des artistes déchaînés, célébrés avec les meilleurs peintres du XVIIe siècle. Ils peignent une Rome d'« après nature », contrairement aux représentations d'une Rome du « beau idéal » qu'ils produisent officiellement.
✰ Lors de la performance de Sarah Nouveau, Caroline Chopin et Samuel Allain, Paysage-mouvement présentée au LAAC de Dunkerque le 16 novembre dernier, j'ai été touchée et admirative du travail de la sculptrice Caroline Chopin. Découvrez ses œuvres et la part belle, poétique et forte, qu'elle apporte aux représentations des mains. L'exposition Motus de Caroline Chopin est visible jusqu'au 9 décembre 2017 à la Galerie Jean-Luc Moreau, 20 rue Bartholomé Masurel 59800 Lille. Vous pouvez suivre les événements qu'elle organise sur sa page d'artiste Facebook Caroline Chopin SCULPTURE.

Mardi 17 octobre 2017

Sabine Wetterwald — 2017-11-13T15:01:00Z

L'Association Convivialité en Flandre a choisi cette année pour thème Pourtant ça bouge ! Quand l'art fait jaillir la vie, a demandé à Jean-Paul Deremble, partenaire de longue date de l'association, de démarrer la saison par un partage de sa sensibilité artistique et de sa compétence philosophique.

Jean-Paul Deremble

Jean-Paul Deremble est philosophe, théologien, docteur en Littérature comparée et maître de conférences honoraire à l'université Charles de Gaulle - Lille III. Spécialisé dans l'iconographie médiévale, il a écrit de nombreux ouvrages et articles sur les modalités d'interprétation de ces images mais aussi sur la cathédrale de Chartres.
Il est vice-président du Centre International du Vitrail et œuvre pour faire connaître l'art sacré contemporain.

La face interne de la dalle de la tombe étrusque du plongeur, vers 480 av. notre ère, Museo Archeologico Nazionale, Paestum

Détail de la dalle de la tombe étrusque du plongeur, Museo Archeologico Nazionale, Paestum

La tombe, une fois le corps du défunt installé, était scellée et les peintures soustraites au regard. La face interne de ce couvercle faisait donc fonction de voûte céleste pour le mort et les quatre autres fresques autour du tombeau n'étaient visibles que par lui. Ainsi la mort côtoie la vie et le personnage est serein pendant qu'il saute dans l'inconnu. L'artiste a peut-être voulu à la fois rendre hommage aux qualités athlétiques du défunt et symboliser dans un même geste le passage du temps et le changement d'état, la vie donc.

Tilman Riemenschneider, L'Ange de l'Annonciation, ca. 1485-87, albâtre et traces de polychromie, Rijksmuseum, Amsterdam

La Sainte Famille, Sud de la Souabe (Lux Maurus ?), vers 1510-1520, tilleul polychromé, Paris, musée de Cluny - musée national du Moyen Âge

Jean-Paul Deremble a soulevé ces questions :
comment l'artiste donne-t-il vie à un matériau inanimé ?
Où est exactement la différence entre un bloc de marbre brut et un bloc de marbre travaillé par un artiste ?
Dans les deux cas, c'est toujours du marbre mais, dans le deuxième, l'art a imprimé une forme qui témoigne d'une vie nouvelle, créée.
C'est tout le rapport entre la matière et l'esprit (l'inspiration), entre la nature et la création artistique.

Picasso, décors de la chapelle du château-musée de Vallauris, La Paix, 10 m x 4,70 m

Tandis que l'artiste donne vie à un matériau, il est lui-même dans une attitude de réception d'une réalité supérieure, d'une idée qui le dépasse. L'œuvre d'art devient source de vie.

Picasso, décors de la chapelle du château-musée de Vallauris, La Paix - Détail

Après pas moins de 300 dessins préparatoires, Picasso conçoit dans son atelier cet ensemble allégorique de La Guerre et la paix en 1952 dans le contexte des appels internationaux pour la Paix dans le monde. Les deux œuvres sont installées en 1959 dans la chapelle du Château Musée de Vallauris.
La visiteuse ou le visiteur organise sa lecture poétique ou métaphorique des figures de la Guerre et de la Paix qui s'opposent ou se conjuguent les unes les autres.
Dans la partie droite de la fresque de la Paix, Picasso peint une scène familiale allégorique avec une mère allaitant son enfant tandis qu'elle ne quitte pas sa lecture et deux hommes dont un adolescent allumant un feu, et le père plus âgé, absorbé par son écriture.
Trois signes de vie en écho à la partie gauche de la chapelle avec la fresque La Guerre évoquant la mort, incitant ceux et celles qui visitent la chapelle à prendre conscience de leurs responsabilités et de leur capacité à changer le monde.

Véronique Ellena et Pierre-Alain Parot (maître-verrier), Vitrail des cent visages, 2015, Chapelle Sainte-Catherine, Cathédrale de Strasbourg

Hans Memling, Le Christ bénissant, 1481, Museum of Fine Arts, Boston

Pour ce vitrail créé en 2015, Véronique Ellena représente un Christ bénissant d'après celui réalisé par Hans Memling en 1481. Elle y insère subtilement des visages d'Anonymes stasbourgeois et strasbourgeoises qui ont posé pour elle début 2015. Une technologie novatrice d'impression à partir de poudre d'émail a permis d'utiliser les clichés. C'est la vie contemporaine qui prend corps dans le visage du Christ.

Détail du Vitrail des cent visages, 2015, Chapelle Sainte-Catherine, Cathédrale de Strasbourg

Vous étiez nombreux à participer à cette soirée. Jean-Paul Deremble a inauguré avec sens et justesse notre cycle de conférences sur le thème du mouvement et de l'art qui fait jaillir la vie. Merci à tous. Les références littéraires à Plotin comme à Georges Bataille, les exemples transversaux choisis depuis la Préhistoire jusque parmi les artistes du XXIe siècle, ont éclairé cette nouvelle saison sous un jour précieux.

Merci aussi à Chantal Lefebvre qui m'a transmis ses notes, aux rédacteurs de blogs artistiques de qualité qui m'ont permis de les compléter, et à Monique Vyers pour notre échange à propos de Georges Jeanclos.

Pour approfondir le thème :

– À lire :
✰ Le texte de Plotin qui exprime la différence entre beauté intelligible et sensible, paragraphe I de la 5e ennéade, Livre 8, De la beauté intelligible : "Tout principe créateur est toujours supérieur à la chose créée."
✰ Cet autre texte de Plotin extrait de la première ennéade, Livre 6, Du Beau : "En venant se joindre à la matière, la forme coordonne les diverses parties qui doivent composer l'unité, les combine, et par leur harmonie produit quelque chose qui est un."
✰ Le dernier livre de Jean-Paul Deremble et Colette Deremble, Jésus selon Matthieu. Héritages et rupture publié chez Artège en avril 2017.

– En savoir + :
✰ Le dossier passionnant du site pileface.com, Sur et autour de Philippe Sollers : Le miracle de Lascaux ou la naissance de l'art. S'y trouvent des vidéos essentielles sur Lascaux, une visite virtuelle, des photos, des extraits du livre de Georges Bataille paru en 1955, Lascaux ou la naissance de l'art, Skira. Il revient sur une scène de la caverne de Lascaux qui a particulièrement fasciné Georges Bataille : L'homme du puits.

✰ L'artiste Georges Jeanclos (1933-1997) est l'un des grands sculpteurs français du XXe siècle. Fortement marqué par le traumatisme du génocide juif, la détresse humaine mais aussi par la force de la tendresse interindividuelle, il crée des sculptures fragiles et intenses, influencées par le bouddhisme Zen. Un très beau texte de Tzvetan Todorov sur le site de la Galerie Capazza et une vidéo de 15 minutes qui présente Georges Jeanclos et son œuvre avec beaucoup de sensibilité.

✰ L'excellent article de Jean-Yves Cordier sur le vitrail aux cent visages de Strasbourg de Véronique Ellena et Pierre Alain Parot.

Mardi 21 novembre 2017

Convivialité en Flandre, Sabine Wetterwald — 2017-11-05T13:00:00Z

Dépliant de la conférence de B. Couilleaux

Du 21/11/17

L'Association Convivialité en Flandre a choisi pour thématique Pourtant ça bouge ! Quand l'art fait jaillir la vie et a invité Benjamin Couilleaux à contribuer à son programme de conférences dans le contexte du mouvement romantique.

Benjamin Couilleaux

Diplômé de l'École du Louvre et de la Sorbonne, Benjamin Couilleaux est conservateur du patrimoine au Musée Cognacq-Jay – musée du XVIIIe siècle de la Ville de Paris – depuis 2012. Après les sculptures de Dalou en 2013, les dessins de François-André Vincent en 2014 et la première rétrospective Jean-Baptiste Huet en 2016, c'est la Sérénissime que Benjamin Couilleaux y a mis à l'honneur en début d'année en tant que commissaire de l'exposition Venise en fête. La peinture italienne, et notamment Venise, sont d'ailleurs au cœur de ses travaux. Il a participé à plusieurs expositions internationales sur le sujet. Il enseigne l'histoire de l'art européen des XVIIe et XVIIIe siècles à l'École du Louvre et à l'Institut Catholique de Paris.

Jean-Honoré Nicolas Fragonard, Les Hasards heureux de l'escarpolette, 1767, huile sur toile, 81 × 64 cm, Londres, Wallace Collection

William Blake, Le grand Dragon Rouge et la Femme vêtue de soleil, entre 1805 et 1810, Aquarelle, 40 × 32,5 cm, National Gallery of Art, Washington

Les profondes mutations touchant les mentalités à la fin du XVIII e siècle bouleversent totalement les conceptions esthétiques.
Au-delà des différentes tendances, entre la survivance d'un art traditionnel, un néoclassicisme souvent dramatique et un romantisme naissant, émergent de nouvelles visions.
Les corps sont mus par une multitude de sentiments, de l'allégresse au désespoir en passant par la colère et la folie, au sein de scènes complexes, relevant aussi bien de la vie quotidienne que des actions historiques du passé et du présent.

Philip James De Loutherbourg, Une Avalanche dans les Alpes, 1803, huile sur toile, 110x160 cm, Tate Britain, Londres

Cette expressivité toute moderne apparaît également dans les représentations des forces de la nature : tempêtes, éruptions ou avalanches deviennent des spectacles à la fois terrifiants et fascinants, où l'homme relativise sa place et découvre une beauté insoupçonnée.
À travers cette problématique du mouvement des êtres et des objets sur une image fixe, s'instaure une des grandes recherches artistiques toujours d'actualité.

Pour approfondir le thème :
✰ Si vous avez l'occasion de vous rendre à Caen, ne manquez pas l'exposition Lambert Sustris, un artiste de la Renaissance entre Venise et l'Allemagne du 18 Novembre 2017 au 4 Mars 2018. Benjamin Couilleaux qui prépare une thèse sur Lambert Sustris en est le commissaire.